Siga las reglas y principios básicos para crear un gran arte

Para el observador casual, el mundo de las artes puede parecer inaccesible.

Al mirar una pintura, ver un ballet o escuchar un concierto clásico, el público en general y los entusiastas de las artes tendrán una respuesta emocional, pero pueden no entender cómo se crearon estas obras.

Muchas personas creen que el talento, la suerte y el genio son responsables de llevar el arte alto a ser. Si bien estos definitivamente juegan un papel, no son toda la historia. Aunque puede pasar desapercibido por los ojos menos entrenados, todas las artes están respaldadas por una base común: Principios de diseño que varían según la disciplina.

A los bailarines se les enseña a actuar a tiempo con sus compañeros artistas, para que se muevan como una unidad. Los pintores y otros artistas visuales aprenden a manipular elementos de perspectiva, composición y el uso de la luz o la sombra.

Los músicos clásicos estudian reglas de armonía y forma musical; Aprenden cómo lograr una buena entonación y mover sus cuerpos de manera que produzcan el sonido deseado.

Una comprensión sólida de los principios de diseño subyacentes de su oficio es esencial para convertirse en un artista sofisticado y maduro. La música de Bach y Beethoven no existiría sin su dominio total de las reglas de la armonía; Monet y Vermeer no se celebrarían si no fuera por su control completo de la perspectiva y el uso de la luz en sus pinturas.

En cada disciplina artística, el conocimiento y el respeto por los principios centrales del sujeto se inculcan desde los primeros niveles y se utilizan continuamente como base para construir niveles de dominio más avanzados.

Tanto los estudiantes como los profesionales usan estas filosofías centrales establecidas para informar su trabajo a diario, incluso en las etapas más altas de sus carreras.

En todas las formas de arte, la mayoría de estos principios se relacionan con aspectos técnicos de cómo debe ejecutar un movimiento o pincelada particular, o dónde colocar un tema o nota en particular, en lugar de conceptos estéticos.

Por lo tanto, es fácil verlos de manera rígida, en lugar de como un marco de apoyo. Sin embargo, a medida que avanza en su oficio, ves que cada artista tiene su propia interpretación de los principios; Esto es lo que permite que cada obra de arte y cada artista sean diferentes de otro.

Al dominar las preocupaciones técnicas y refinar continuamente su técnica, aprenderá a manipular las reglas a su manera, y esto dará significado, carácter distintivo y expresión personal a su trabajo. Bach, Beethoven y todos los grandes maestros perfeccionaron y luego doblaron las reglas; Así es como te convertirás en un artista único y memorable.

Las artes visuales como el dibujo pueden ser especialmente difíciles, ya que debe representar elementos tridimensionales en una superficie bidimensional. Pero, siguiendo ciertos principios, incluso como principiante, ayudará a que su arte sea convincente y expresivo con menos frustración y esfuerzo. Echemos un vistazo a algunas de las técnicas de diseño fundamentales que son esenciales para cualquiera que dibuja.

Composición
La composición es el diseño de todos los elementos en su dibujo. La forma, la línea, el color, el tono y el espacio son parte de esto.

Antes de comenzar a dibujar, es mejor hacer bocetos preliminares y planificar lo que quiere dibujar. Una vez que haya hecho esto, lo primero que tendrá que pensar para su dibujo es la forma. Desde el principio, debe establecer la forma general (contornos) en general para todo su dibujo.

Solo debe comenzar a trabajar en las formas más pequeñas de los objetos individuales después de que esté satisfecho de que haya transmitido el contorno que desee. Intentar dibujar las formas más pequeñas primero conducirá a la frustración; Su trabajo carecerá de definición y no será tan convincente como podría ser. En otras palabras, ignore los detalles hasta que obtenga los conceptos básicos correctos!

La línea es la forma en que guía a un espectador a través de su pintura. Las líneas horizontales, como las de los dibujos de paisajes, generalmente transmiten un sentimiento pacífico; Las líneas diagonales pueden agregar tensión. En general, las curvas dan una sensación mucho más natural y agradable que las líneas rectas; También le dan a tu pieza una buena sensación de movimiento, por lo que parece más realista.

El color, por supuesto, trata con los colores que usas en tu paleta. También se trata de intensidad: debes elegir cuán saturado (vívido) o sutil que quieres que sean los colores y si quieres usarlos para expresar la idea de la luz u oscura.

El tono, también llamado sombreado o "valor", está directamente relacionado con el color. Puede usar sombreado para crear sombras en su trabajo (como sombras creadas por el sol en un paisaje, por ejemplo). Esto permitirá que su trabajo parezca tridimensional y le dará al espectador una sensación de profundidad.

Para que su arte funcione, también debe considerar su uso del espacio.

Piense en cuánto espacio le gustaría entre los elementos en su dibujo (conocido como espacio negativo) y cuánto espacio le gustaría que se llenen los objetos de su dibujo (espacio positivo). Esto variará dependiendo del tipo de dibujo que estés haciendo.

En el arte occidental, el espacio negativo a menudo se llena de color o incluso sombreado, pero un arte asiático deja el espacio en blanco y blanco del papel alrededor del objeto central; Esto también puede ser muy efectivo.

Una cosa para recordar, no ponga la misma cantidad de espacio negativo entre cada elemento en su pieza: para mantener las cosas interesantes, es importante variar la forma y el tamaño del espacio negativo.

Equilibrio y unidad
El equilibrio y la unidad se consideran las características del arte convencional "bueno". Hay algunas reglas de oro, todas probadas y probadas por los grandes artistas, que puedes usar para encontrar el equilibrio en tus propias piezas.

Pero primero, algunos consejos generales que ayudarán a facilitar seguir las reglas de oro. Es importante que haya un área principal de interés y enfoque en su dibujo, para que el espectador sepa qué mirar y no se distrae con demasiados elementos pequeños.

Coloque su tema más destacado en su trabajo para dar un buen flujo al espectador, y asegúrese de que esté mirando hacia el dibujo, no fuera de su foto.

Asegúrese de no cortar su pintura directamente por la mitad, ya sea vertical u horizontalmente, ya que esto puede verse menos realista. Si está utilizando una línea de horizonte en su trabajo, asegúrese de que no esté en el centro de la imagen, colóquela de alta o baja para que muestre más "cielo" o más "tierra", dependiendo de lo que esté dibujo.

Y ahora, las reglas de oro. La primera regla de oro es la regla de los tercios, y en realidad está relacionado con la media dorada misma. La media dorada, o dorada, ha guiado a los artistas clásicos durante siglos. Establece que los elementos de una obra de arte deben colocarse para que cada elemento esté en una proporción de 1 a 1.618 (alrededor de 3 a 5) en relación con cualquier otro elemento. La regla de los tercios es una versión simplificada del Medio dorado.

Seguirlo, Divida su dibujo en una cuadrícula de 3 columnas y filas, todos de igual tamaño. Coloque su sujeto principal y áreas de interés más pequeñas cerca de una de las líneas en su cuadrícula, y si puede, pretende colocarlos en la intersección de las filas y columnas de la cuadrícula. Esto creará fácilmente un equilibrio ideal en su dibujo, ya que lo obliga a evitar poner elementos importantes en áreas que cortarían visualmente la pieza por la mitad, deteniendo los ojos del espectador.

Como la regla de los tercios, el La regla de las probabilidades también se basa en números impares. Para lograr un dibujo realista, debe tener un número impar de temas en su pieza, como 1 o 3, en lugar de un número uniforme. Si solo tienes un punto focal principal, poner un número par de artículos a su alrededor; De esa manera, terminará con un número impar de elementos en su trabajo, que generalmente es más agradable para los ojos. Al igual que con la regla anterior, la regla de los tercios lo ayuda a evitar cortar su trabajo directamente en el centro.

Para unificar su trabajo, la repetición de algunos elementos es clave. Por ejemplo, puede elegir un símbolo o motivo y repetirlo en ciertas áreas de su dibujo, tal vez en un color diferente o en un tamaño más pequeño. Esto establece un patrón en su pieza y ayuda a tener sentido para el espectador. Sin embargo, es importante no usar esto en exceso, ya que también desea tener variedad en su trabajo.

Perspectiva
Desarrollar la perspectiva es una habilidad fundamental en el arte, y es lo que le da a su trabajo una sensación de profundidad y distancia. En el dibujo, la perspectiva sostiene que los objetos se hacen más pequeños a medida que van hacia el fondo de una imagen, mientras que los objetos más grandes están en primer plano (frente) de la imagen.

Perspectiva lineal y aérea Ambos son importantes para los artistas. La perspectiva lineal se puede dividir en una perspectiva de 1 punto, 2 puntos o de 3 puntos. La perspectiva de 1 punto es el lugar más simple para comenzar. Para usarlo, solo necesita una vista y un punto fijo.

Si estás dibujando una iglesia, tu vista será lo que ves frente a ti con la cabeza recta, y el punto fijo puede ser lo que elijas, como una estatua frente a ti. Dirigirá los ojos del espectador a la estatua mediante el uso de dos cosas: un punto de fuga y una línea de horizonte. El punto de fuga puede ser cualquier punto en la distancia en el que sus ojos se encuentren naturalmente. En una iglesia, podría ser un punto en una pared lejana.

Su punto de fuga se incorpora a su línea de horizonte, que es una línea horizontal larga y plana del cielo (o tierra, cuando está en interiores) que se extenderá hacia la izquierda y la derecha de su dibujo e incluso fuera de su foto. La perspectiva es una herramienta bastante compleja y toma muchas formas diferentes, pero estos son los conceptos básicos de establecer una perspectiva de un punto, lo que da dimensión y un aspecto natural para su trabajo.

Los elementos de dibujo esenciales de la composición, el equilibrio, la unidad y la perspectiva se encuentran en todas las formas de arte. Aunque los bailarines y los músicos tendrán diferentes definiciones y enfoques de estos elementos que los artistas visuales, forman un núcleo común entre todas las disciplinas artísticas.

Cualquiera sea su campo, seguir estos principios fundamentales asegurará que su trabajo sea profesional, no aficionado, y que sus piezas expresen su personalidad y comuniquen claramente su mensaje a su audiencia.