¿Qué es el acortamiento en el arte??

El escortimiento es una técnica utilizada en la perspectiva para crear la ilusión de un objeto que retrocede fuertemente en la distancia o el fondo. La ilusión es creada por el objeto que aparece más corto de lo que es en realidad, lo que hace que parezca comprimido. Es una excelente manera de maximizar la profundidad y la dimensión de las pinturas y dibujos.

La presentación del abreviatura se aplica a todo lo que se dibuja en la perspectiva. Esto incluye edificios, paisajes, objetos de naturaleza muerta y figuras.

Visualizar el acortamiento

Un ejemplo familiar de acortamiento en el paisaje sería el de una carretera larga, recta y plana llena de árboles. Los dos bordes del camino parecen moverse hacia el otro a medida que llegan a la distancia. Al mismo tiempo, los árboles se ven más pequeños y el camino se ve mucho más corto de lo que sería si fuera a subir a una montaña muy alta frente a nosotros.

El acortamiento en una figura de dibujo o pintura afecta las proporciones de las extremidades y el cuerpo. Si está pintando a una persona acostada boca arriba con los pies hacia usted, pintaría sus pies más grande que su cabeza para capturar la ilusión de la profundidad y la tridimensionalidad. 

En esencia, el aborto puede ayudar a crear drama en una pintura.

La técnica se hizo popular en el Renacimiento

El uso del aborto se hizo popular durante el período del Renacimiento del Arte. Un buen ejemplo en una figura es "la lamentación sobre el Cristo muerto" (c. 1490, Pinacoteca di Brera, Milán), por la pintora del Renacimiento Andrea Mantegna (1431-1506).

El pecho y las piernas de Cristo son más cortos para transmitir una sensación de profundidad y espacio. Nos atrae y nos hace sentir que estamos al lado de Cristo. Sin embargo, los pies de Cristo vistos en el aborto en realidad habrían parecido más grandes en esta pose. Mantegna eligió hacer sus pies más pequeños para poder ver y atraer la atención del espectador a la cabeza de Cristo. 

Puedes verlo en muchas pinturas famosas

Una vez que aprenda a reconocer el aborto, comenzará a verlo en muchas pinturas famosas. Los frescos de Michelangelo en la Capilla Sixtina (1508-1512), por ejemplo, están llenos de la técnica. El artista lo usó a menudo y es por eso que sus pinturas tienen una dimensión tan grande.

En particular, mira el panel "La separación de la luz de la oscuridad". En él, verás que Dios parece como si estuviera aumentando. Esta ilusión se basa en el acortamiento.

Otro ejemplo es "un desnudo masculino supino, visto atrevido" (c. 1799-1805), por Joseph Mallord William Turner (1775-1851) en la Galería Tate. Puedes ver que los brazos y el torso en primer plano están comprimidos.

Es una forma simple y efectiva de dar esta tiza en el boceto de papel de profundidad real. Aunque carece de elementos de fondo para darnos una idea de dimensión, tenemos la sensación de que la figura se extiende de la escena.

Cómo practicar e incorporarlo en su obra de arte

Agregar un aborto en su propia obra de arte es una cuestión de practicar la técnica. Querrás hacer esto mirando las cosas desde una perspectiva extrema que le da a tu sujeto increíble profundidad. Cuanto más dramática sea la perspectiva, más distinto será el acortamiento.

Puede comenzar parado cerca de un edificio muy alto, como un rascacielos o un campanario de la iglesia. Mire hacia arriba y dibuja su perspectiva del objeto, con el edificio estirando en el centro de su imagen. Observe cuán corto parece desde este ángulo y cómo la parte del edificio más cercana a usted es considerablemente más grande que la parte superior del edificio.

Para practicar el acortamiento en el dibujo de figuras, los maniquíes de madera pequeños son útiles. Los artistas los usan todo el tiempo para estudiar la forma humana y también son perfectos para la perspectiva. Coloque su maniquí en una pose similar a los ejemplos de figuras que hemos discutido, luego manipulan el cuerpo, las extremidades y el ángulo desde allí.

Con el tiempo y la práctica, no debe tener problemas para incorporar el acortamiento en su obra de arte.

-Editado por Lisa Marder