La definición de la teoría del autor y los famosos directores de autor

En la película, la teoría del autor es un concepto teórico que se aplica a un cineasta (la mayoría de los típicamente un director) que crea una película de su versión singular con un control creativo significativo o total sobre el proyecto. Si bien la película es un medio colaborativo por naturaleza, hay muchos ejemplos de cineastas que exhiben una autoría significativa sobre sus proyectos, una práctica que los establece como "autores" (autores) de esas películas. Las películas hechas por los cineastas de autor a menudo tienen un estilo reconocible, que puede ser visual, temático u otro atributo estilístico.

La teoría del autor fue inicialmente teorizada por los críticos de cine franceses, incluido André Bazin, y luego fue popularizado por el crítico estadounidense Andrew Sarris, quien escribió sobre el concepto en un influyente ensayo de 1962 titulado "Notas sobre la teoría del autor de."

Sabías?

En su libro de 1968 El cine americano, El crítico Andrew Sarris clasificó a Buster Keaton, Orson Welles, Charles Chapin y Alfred Hitchcock entre los mejores directores de cine de todos los tiempos.

Auteurs tempranos de la película

Antes de acuñarse el término, hubo muchos ejemplos de cineastas que desempeñaron roles creativos dominantes en sus proyectos, sirviendo múltiples roles como directores, escritores, productores e incluso actores. En la era silenciosa, esto incluía a los comediantes Charles Chaplin (El niño, La fiebre del oro, Tiempos modernos) y Buster Keaton (Ir al oeste, El general) y cineastas dramáticos como D.W. Griffith (El nacimiento de una nación, Intolerancia, Flores rotas). Incluso algunas estrellas de cine populares habían establecido suficiente influencia de la industria para tomar múltiples papeles creativos en sus películas, como Douglas Fairbanks en sus películas Arizona (1918), La marca de Zorro (1920), Robin Hood (1922), y El ladrón de Bagdad (1924).

The Gold Rush (1925) fue escrito y dirigido por Charles Chaplin.

Con el crecimiento del sistema de estudio y el enfoque de los principales estudios en la producción de películas estilo ensamblaje, se volvió menos común que un solo individuo trabaje en múltiples roles creativos en una película. En algunos casos en esa época, los cineastas que lograron un significativo éxito artístico o de taquilla pudieron tomar más control sobre sus proyectos. Quizás el ejemplo más conocido de eso durante la era del estudio fue Alfred Hitchcock, quien a fines de la década de 1940 estaba dirigiendo y produciendo sus películas en American Studios.

Hitchcock fue una excepción que otros directores tenían ese tipo de control artístico en Hollywood. Otro ejemplo fue Orson Welles, quien vino a Hollywood con un pedigrí de éxito en el escenario de Nueva York y en la radio. Welles recibió un control casi total sobre la producción de su película debut, Ciudadano Kane (1941), que coescribió, dirigió, produjo y protagonizó. El propio Sarris escribió un ensayo que declaraba el gran estatus de la película en 1956, y el American Film Institute declaró Ciudadano Kane La mejor película estadounidense de todos los tiempos en 1998. Desafortunadamente, por varias razones, incluyendo eso Ciudadano Kane no fue un éxito comercial en la U.S. Box Office-Welles nunca disfrutó de la misma medida de control sobre una película en su vida.

Akira Kurosawa (Foto de Sunset Boulevard/Corbis a través de Getty Images).

Auteurs internacionales de cine

Si bien la estructura de los estudios de Hollywood de las décadas de 1950 y 1960 no generalmente permitía muchos autores, los cineastas pudieron lograr un control artístico sobre sus proyectos en otros países. Estos autores incluyeron:

• Francia François Truffaut (Los 400 golpes)
• Jean-Luc Godard de Francia (Jadeante)
• Suecia Ingmar Bergman (El séptimo sello, Fresas silvestres)
• Federico Fellini de Italia (La Dolce Vita, 8 1/2)
• Akira Kurosawa de Japón (Rashomon, Siete samurai)

Varios de estos directores ganarían el Premio de la Academia a la Mejor Película de Lengua Extranjera, que se convirtió en un premio anual en 1957, brindando más atención al estilo de la filmación del autor.

Director Martin Scorsese (izquierda) como 'Silhouette que mira pasajero', y Robert de Niro como Travis Bickle en 'Taxi Driver', dirigida por Scorsese, 1976. Colección de pantalla plateada / Getty Images

Nuevo Hollywood

A fines de la década de 1960 y durante la década de 1970, Hollywood e Independent Studios ofrecieron a muchos cineastas, incluidos muchos que fueron influenciados por los autores internacionales, la oportunidad de crear películas con más control artístico. Estos autores incluyeron:

• Woody Allen (Annie Hall, Manhattan)
• Robert Altman (MEZCLA, Nashville)
• Francis Ford Coppola (El Padrino, La conversación)
• Stanley Kubrick (Dr. Amor estraño, 2001: una odisea espacial)
• Terrence Malick (Páramos, Dias del cielo)
• Martin Scorsese (Conductor de taxi, Toro furioso)

Debido a este cambio radical de un enfoque de los estudios, esta era se denominó "Nuevo Hollywood."De hecho, algunos cineastas como Steven Spielberg (Mandíbulas, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo) y George Lucas (Graffiti americano, Guerra de las Galaxias) pudieron hacer proyectos de estudio de gran presupuesto mientras mantenían un control creativo sobre ellos. Sin embargo, a principios de la década de 1980, los principales estudios se retiraron de ofrecer tanto control a todos menos a un puñado de directores.

Nueva York, NY - 01 de marzo: Actor Oscar Isaac, director Joel Coen y director Ethan Coen filmando en el lugar de 'Inside Llewyn Davis' el 1 de marzo de 2012 en la ciudad de Nueva York. Bobby Bank / Wireimage

Auteurs modernos

Mientras que algunos directores de "nuevos Hollywood" como Allen, Scorsese y Spielberg continuaron trabajando como autores a lo largo de los años ochenta y noventa, una nueva cosecha de cineastas de autores pudo establecer su estilo con el surgimiento de distribuidores independientes como Miramax y Gramercy Pictures y Studios y estudios Etiquetas de "especialidad" como Fox Searchlight Pictures y Sony Pictures Classics, que lanzaron películas de bajo presupuesto a los cines Arthouse. Estos cineastas incluyen:

• Paul Thomas Anderson (Magnolia, Habrá sangre)
• Wes Anderson (Los reales Tenenbaums, El hotel Grand Budapest)
• Tim Burton (Eduardo manos de tijera, Alicia en el país de las Maravillas)
• Joel y Ethan Coen (Fargo, No es país para viejos)
• Steve McQueen (Lástima, 12 años de esclavitud)
• Lynne Ramsay (Necesitamos hablar sobre kevin, Nunca estuviste realmente aquí)
• Quentin Tarantino (Ficción pulpa, Mata a Bill)

Algunos de estos cineastas, como Burton y Tarantino, han tenido lo suficientemente exitoso como para trabajar en proyectos con presupuestos significativos y apoyo de estudio, pero aún así mantener sus propios estilos de cine.

Con el aumento actual de la producción de películas digitales y un número cada vez mayor de plataformas de contenido, se ha vuelto más común que los cineastas creen sus propios proyectos de bajo presupuesto bajo su propio control artístico.