La historia de la pintura de la vida muerta

Una vida muerta (de los holandeses, rastrear) es una pintura con un arreglo de objetos inanimados y cotidianos, ya sean objetos naturales (flores, comida, vino, pescado muerto y caza, etc.) o artículos fabricados (libros, botellas, vajilla, etc.). El Glosario del Museo Tate lo pone muy sucintamente, definiendo el tema de una naturaleza muerta como "cualquier cosa que no se mueva o esté muerta."En francés, la naturaleza muerta se llama Morte de la naturaleza, (literalmente "naturaleza muerta").

Una vida muerta puede ser realista o abstracta, dependiendo del momento y la cultura particulares en el que se creó, y del estilo particular del artista. La vida muerta es un género popular porque el artista tiene un control total sobre el tema de la pintura, la iluminación y el contexto. El artista puede usar la naturaleza muerta simbólica o alegóricamente para expresar una idea, o formalmente para estudiar la composición y los elementos y principios del arte.

Historia

Aunque han existido pinturas de objetos desde el antiguo Egipto y Grecia, la pintura de la vida muerta como una forma de arte única se originó en el arte occidental posterior al renacimiento. En el antiguo Egipto, las personas pintaron objetos y comida en tumbas y templos como ofrendas a los dioses y para que los muertos disfruten en el más allá. Estas pinturas eran representaciones planas y gráficas de sus sujetos, típicos de la pintura egipcia. Los antiguos griegos también incorporaron temas de la vida muerta en sus jarrones, pinturas de paredes y mosaicos. Estas pinturas, con reflejos y sombras, eran más realistas que las de los egipcios, aunque no precisos en términos de perspectiva.

La pintura de la vida muerta se convirtió en una forma de arte propia en el siglo XVI. Panel de pintura del artista veneciano Jacopo de 'Barbari (1440-1516) -Her en exhibición en el Alte Pinakothek, Munich-es considerado por muchos historiadores como la primera verdadera vida muerta. La pintura, completada en 1504, representa una perdiz muerta y un par de guantes de hierro, o guanteletes.

Según el documental de la BBC "Manzanas, peras y pintura: cómo hacer un dibujo de la vida muerta (pintura)," La "canasta de fruta" de Caravaggio, pintada en 1597, se reconoce como la primera obra importante del género de la vida muerta occidental.

La altura de la pintura de la vida muerta se produjo en el siglo XVII Holanda. Artistas como Jan Brueghel, Pieter Clausz y otros pintaron imágenes opulentas, altamente detalladas y realistas de ramos y mesas de flores cargados de lujosos tazones de frutas y juegos. Estas pinturas celebraron las estaciones y reflejaron el interés científico de la época en el mundo natural. También sirvieron como símbolos de estado y fueron muy buscados. Muchos artistas vendieron sus obras a través de subastas.

Simbolismo

Tradicionalmente, muchos objetos en pinturas de vida muerta fueron seleccionados por sus significados religiosos o simbólicos, aunque este simbolismo a veces elude a los espectadores modernos. Cortar flores o un trozo de fruta en descomposición, por ejemplo, la mortalidad simbolizada. Cráneos, relojes de arena, relojes y velas advirtieron a los espectadores que la vida es breve. Estas pinturas hechizadas por la muerte se conocen como Memento Mori, una frase latina que significa "recuerda que debes morir."

Memento Mori Las pinturas están estrechamente relacionadas con Vanitas Still Lifes, que incluyen símbolos de placeres terrenales y productos materiales, como instrumentos musicales, vino y libros, que tienen poco valor en comparación con la gloria de la otra vida. El término vanitas proviene de una declaración al comienzo del Libro de Eclesiastés, que expresa la inutilidad de la actividad humana: "Vanidad de vanidades! Todo es vanidad."

Pero no todas las pinturas de la vida muerta cuentan con simbolismo. El artista postippressionista francés Paul Cezanne (1839-1906) es quizás el pintor más famoso de manzanas simplemente por su uso de color, forma y perspectiva. La "naturaleza muerta con manzanas" de Cezanne (1895-98) no está pintada de manera realista como si se vea desde un punto de vista. Más bien, parece representar una amalgama de diferentes puntos de vista. A través de su exploración de los modos de percepción, el trabajo de Cezanne sirvió como precursor del cubismo y la abstracción.